Las imágenes atrayentes son extremadamente importantes en el concepto de marketing digital. Estas funcionan como un gran incentivo para que las personas se interesen todavía más en tu texto.
Hoy te hablaré sobre algunas etapas por las cuales yo pasé (y paso) para poder entregar artes que llamen la atención del público.
Cuando entré a Rock Content, no sabía moverme por los softwares que hoy uso para trabajar, enserio; no sabía nada y eso fue hace 6 meses. Por lo tanto, no te desanimes en caso de que no sepas cómo funciona Illustrator o Photoshop, por ejemplo, porque siempre hay tiempo para aprender.
Y nada mejor para aprender que con el primer consejo:
1. Mira tutoriales y toma los consejos
Algo que hice desde que entré a Rock y a la facultad de diseño, fue buscar tutoriales.
¿Te estás preocupando porque necesitas hacer una textura específica? ¿O no logras ni abrir el software sin saber qué hacer enseguida?
Puedes tener la certeza de que existe alguien en la internet que sabe y ha compartido su conocimiento.
YouTube es una excelente plataforma para tutoriales, ya que es posible acompañar visualmente el paso a paso del proceso, parando y regresando siempre que es necesario.
Y en caso de que no lo logres, hay una comunidad entera que también pudo haber tenido la misma duda que tú, en los comentarios.
Pero en caso de que no tenga un tutorial en video de algo bastante específico que estés buscando, no te preocupes, hay una infinidad de foros y blogs dirigidos a la discusión de esos asuntos. Con certeza, en alguno estará la respuesta a lo que buscas.
2. Busca referencias
Las referencias son muy importantes para la creación de las imágenes. Muchas veces no sabes qué crear para un tema en específico o quieres saber las características visuales de algo.
Hay sitios geniales para referencias, como Dribbble, que posee artes increíbles hechas por artistas de diversas empresas y de varios lugares del mundo.
Sin embargo, por estar muy dirigido a publicaciones de trabajos como un portafolio de los artistas, algunas veces no encontrarás lo que quieres, ya que la búsqueda se efectúa a través de etiquetas y muchas veces no son precisas.
Muchas empresas ponen la etiqueta de acuerdo con la finalidad en la cual el arte será usado y no lo que de hecho representa.
Interfaz de Dribbble con los últimos artes de los grupos que sigo
Además de Dribbble existe también Freepik, que es un sitio que se enfoca en la descarga gratuita de artes y vectores ya creados. Por eso es una alternativa válida.
Y, en caso de que no encuentres algo que te agradado o solo quieras más referencias, está el viejo Google Imágenes, con toneladas de fotos que pueden atenderte muy bien a la hora de descubrir cómo aquello que buscas se ilustra en la internet.
Pero, hablando de buscar referencias, siento que es necesario apuntar otro asunto también:
3. Crea tus propias imágenes
Muchas veces no tenemos tiempo o la habilidad para hacer nuestras propias imágenes desde cero, pero es importante que esto sea un meta para un futuro próximo.
Las imágenes listas pueden ser muy bonitas y ahorran un montón de trabajo.
Pero ellas no fueron hechas por alguien de tu empresa, entonces ellas no necesariamente estarán de acuerdo con tu identidad visual y no tendrán originalidad, por lo menos no en la parte gráfica.
Sin mencionar que muchas otras personas pueden llegar a usar la misma imagen.
El arte creado internamente es exclusivo para tu blog y puedes tener certeza que con eso, los visitantes recordarán más a tu empresa.
Por eso un diseñador gráfico es tan importante en tu estrategia de marketing de contenidos.
4. Inspírate en artistas y/o empresas
Ocasionalmente, una canción o una personalidad nos inspira y, con el diseño, no es diferente.
Últimamente hemos estudiado bastante y hemos seguido las directrices del Material Design hecho por Google.
Antiguamente, el gigante de las búsquedas estaba más concentrado en expandir su negocio hacia los más diversos productos y… bueno, parece que no invertía mucho en diseño:
El antiguo (y famoso) logo de Google
Sé que no es feo y que la gente estaba acostumbrada. Pero había sido el mismo logo desde 1999.
Fueron 16 años manteniendo la misma estructura, que ya no encajaba bien con la identidad que la empresa estaba montando.
Eso, en conjunto al crecimiento de su sistema operacional Android, hizo que Google tomara una actitud en relación a su diseño.
Y ahí fue cuando hicieron lo que mejor hacen: probar e investigar. Mucho. Y después de muchos estudios de uso y tendencias, llegaron a Material Design.
Nueva identidad de Google, de acuerdo con Material Design
Justamente por tener tantas bases teóricas y pruebas aplicadas, consideramos a Google un benchmark de diseño.
Sus directrices se establecieron como un sistema estrictamente agradable, funcional e intuitivo, además de tener fluidez y dinamismo como nadie, con movimiento que simulan los de la vida real.
5. Crea y utiliza una paleta de colores determinada
Antes en Rock Content, usábamos todos los colores disponibles en el espectro visible para nuestros artes – excepto imágenes institucionales, que siguen colores determinados-, y llegó un momento en que estaba pareciendo un verdadero carnaval.
Todo parecía aleatorio, como si no hiciera parte de la misma identidad, por más que presentase el mismo estilo. De esta manera, concluimos que, limitando la elección de colores a una paleta fija, tendríamos mayor conformidad entre los artes.
Como el Material Design fue adoptado, seguimos su paleta de colores, y desde entonces la usamos en nuestras imágenes. Con ella tenemos una libertad bien grande para usar, aunque claro, manteniendo las limitaciones.
6. Crea contrastes en las imágenes
Al hablar de color, también es importante hacer énfasis en el contraste.
Hace poco tiempo atrás, hacíamos los artes de manera monocromáticas. Todos los colores eran tan solo variaciones entre claros y oscuros de un mismo color. Eso hacía que tuviera poco contraste y muchas veces los objetos en primer plano se mezclaban con el fondo por tener tonalidades próximas.
Un buen contraste es esencial para un buen entendimiento de una imagen. Es este el que diferencia el límite entre los objetos, fondo, luz y sombra.
Con la adopción de la paleta de colores de Material Design, pasamos a explorar imágenes que tuvieran colores diferentes distantes una de la otra, siendo muchas veces colores opuestos.
Los colores opuestos son aquellos que se encuentran a 180º uno de otro en el círculo cromático.
Pero no siempre el uso de colores diferentes será suficiente en caso de que ellos tengan una luminosidad parecida. Por eso es muy importante usar la dinámica entre el claro y el oscuro en tus imágenes para proporcionar mejor el entendimiento de ellas.
7. Adopta un estilo, pero no tengas miedo de ser osado
Adoptar un estilo para seguirlo es una práctica muy recomendada especialmente para tener una identidad de marca consistente entre tus imágenes y tu marca.
Aquí en Rock Content seguimos el estilo semi flat (semi plano), estilo que ha sido bastante popular últimamente. Sin embargo, le damos el “toque especial Rock Content” y este es el secreto de la empresa, por tanto… no se los puedo contar.
¡Es broma! Lo que hacemos aquí es dar una cara propia de la empresa a ese estilo. Existen innumerables artistas que usan el diseño semi-flat en sus imágenes, pero cada una tiene su propia manera de ser distinguida entre los demás.
Por eso, no tengas miedo de ser osado. Un estilo de arte no es una dictadura: puedes cambiar elementos, maneras de trabajar con la luz y las sombras, los colores, todo para que quede de acuerdo con la identidad que pretendes dar.
Realista o Flat: ambos funcionan en el semi flat design
8. Piensa siempre en tu persona
Por último y más importante: siempre piensa en tu persona.
Antes de decidir cuál será el estilo que pretendes seguir, cuál paleta de colores utilizar y en cuáles empresas y artistas inspirarte, es necesario que analices bien a tu persona y en lo que estaría alineado con ella.
Cuando comencé a trabajar aquí en Rock, hacía los artes de manera conceptual. Veía cuál tema sería abordado y pensaba un poco sobre él. Quedaban agradables, pero el problema era que yo veía el tema en la imagen, los demás no.
Por eso siempre es muy importante pensar en quien verá tu imagen. El mensaje que intentes dar a través de ella, debe ser comprendido por tus personas, si no, no llegarás a ellas.
Además del mensaje, piensa si tu público encontraría interesante tu arte. Por ejemplo, si las personas que visitan tu blog son empresarios, pero son conservadores, tal vez una ilustración bastante colorida les parezca infantil y no se comunique muy bien con ellos.
Conclusión
Incluso basándote en el proceso que aplicamos en Rock, aprovecha estos consejos para crear tus propias imágenes.
Si quieres saber más sobre las tendencias de diseño para el 2017, te recomiendo la lectura de la guía 2017 Design Trends Guide, escrito por los diseñadores Loredana Papp-Dinea y Mihai Baldean.
Ahora que tienes todo este bagaje, ¡puedes comenzar a producir artes increíbles para tu blog! Espero haberte ayudado compartiéndote mis conocimientos sobre el asunto y ¡gracias por la lectura!
